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viernes, 9 de diciembre de 2016
Teletón 2016
Hola chicos , hace unos días ya se realizo la Teletón de este , si te lo perdiste y no pudiste ver los casos no te preocupes , aquí están algunos casos de este año .
viernes, 2 de diciembre de 2016
La consolidación del cine de animación en todo el mundo
El dibujo animado fue siempre a la par con las técnicas de animación, ya en 1914 el pintor
Lotte Reiniger, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del teatro de sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como Las aventuras del príncipe Ahmed (1926), el primer largometraje de dibujos animados que se conserva. (El primer largometraje de animación fue mudo y argentino, El Apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines. En Suecia, en 1916, se realizó la serie Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl. El británico Anson Dyer, realizó John Bull’s Animated Sketchbook (1920), Three Little Pigs (1922) y Little Red Riding Hood (1923).
Windsor McCay, en 1918, realizó el que es considerado el primer documental animado, The Sinking of the Lusitania, con 25 000 cuadros, en un estilo muy realista, en el que debió poner documentación e imaginación para relatar un hecho en el que no había imágenes fotográficas.
En las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie diagonale (1921-24), deVicking Eggeling, mediante recortes en estaño creaba relaciones rítmicas entre formas y líneas geométricas simples mediante la proporción, las relaciones numéricas y la intensidad lumínica, a partir de las cuales surgía algo así como una música lumínica para los ojos. Es de destacar igualmente Emak Bakin(1926), de Man Ray, dadaísta y más tarde uno de los fundadores del surrealismo. Ambos abrieron un camino que, con el tiempo, seguirían otros cineastas.
En Japón, a partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la historieta o de las artes plásticas, surgió un interesante movimiento de animación que se inició con algunos experimentos en el año de 1914, pero fue en 1917 Oten Shimokawa, quién realizó el primer corto animado de 5 minutos titulado Imokawa Mukuzou (El Portero). También e 1917, Junichi Kouchi realizó un corto titulado Hanahekonai Meitou no Kani (El sable nuevo y flamante), y Seitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen (La guerra de monos y cangrejos). Kitayama, trabajó en animación hasta que en 1918 logró el primer éxito mundial de la animación japonesa con Momotarou (El Chico Durazno). Noburu Ofuji, en 1927, realizóKujira, La ballena en papel semitransparente, cuyo resultado recuerda las siluetas de Lotte Reiniger. En 1952 rodó remake de La ballena. Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del pulpo, 1927, donde recreó un mundo de animales antropomórficos. En 1931 Kenzo Masaoka realizó sonora, Chikara to onna no yo no naka, El mundo del poder y de las mujeres, primer animado sonoro japonés, en el que utilizó parcialmente celuloide, muy caro en Japón en aquellos momentos. En 1935, Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros en animación del país, que había sido dibujante para Kenzo Masaoka, realizó varias películas propagandísticas en torno al conflicto chino-japonés
Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disney y Ub Iwerks (quien diseño a Mickey), comprendieron la importancia de los dibujos animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos económicos, apostaron por esa vía cinematográfica. El éxito de Mickey Mouse, protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva a investigar y a superar las miles de dificultades, aplicar sonido y efectos de todo tipo, combinar personajes animados y actores reales, que consiguen con la serie de cortometrajes que inicia Alice in Wonderland (1923), y que que perfeccionaron con el tiempo, sobre todo al inventar la cámara multiplano, desarrolada por Iwerks, que siempre estuvo más preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, fundamental para obtener una profundidad de campo, que sirvió para aumentar el realismo de la producción de dibujos animados en el futuro. Fue Blancanieves y los siete enanitos (1937), una de las primeras películas de dibujos animados de metraje largo, la que hizo conocer en el mundo entero la posibilidad del dibujo animado como cine que podía competir con cualquier otra película.
En los mismos tiempos, los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en las pantallas con Disney, con personajes tan populares del comic norteamericano como Betty Boop y Popeye. En 1916 comenzaron la serie Out of the Inkwell (Fuera del tintero), protagonizada por el payaso Koko, que se hizo hasta 1930. En largometraje hicieron Los viajes de Gulliver, Gulliver's Travels (1939), en el que utilizaron el rotoscopio, un aparato inventado por ellos en 1915, con el que mejoraban los movimientos de los dibujos animados y que fue utilizado posteriormente por muchos animadores. El rotoscopio permite diseñar imágenes a partir de referencias filmadas en vivo y reimprimir la película y, por tanto, que aparezcan juntos personas y objetos reales con dibujos animados. Disney lo utilizó en Blancanieves y los siete enanitos y puede ser considerado un precursor de la técnica de captura de movimiento digital. Los Fleischer realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity (1923) y Darwin’s Theory of Evolution (1925), películas didácticas. En 1924, los hermanos Fleischer le dieron forma a The Song Car-Tunes, donde se animaban canciones de moda, con el texto subtitulado y una bolita que permitía seguir la letra por donde iba el cantante. En 1930 presentaron el personaje de Betty Boop en Dizzy Dishes, creado por Grim Natwick, el mismo que animó a la Blancanieves de Disney. En 1937 realizaron Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor, rodada en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensiones sobre los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En 1939 realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr. Bug goes to Town (1941). A principios de los cuarenta hicieron la serie de Superman, en la que introdujeron abstracciones y una serie de elementos realistas.
Paul Terry, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su serie más famosa: Aesop’s Film Fables. y sobre todo a partir de los años veinte, en la Paramount: Ugly Ducking (1925), Dinner’s Time (1928), el primer dibujo animado sonoro, Queen Bee (1929), The Bull Fight (1935), The Mouse of Tomorrow (1942). Produjo cerca de 1.300 dibujos animados hasta 1955, entre ellos los Terrytoons.
Walter Lantz, autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los Estudios Bray y posteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados, primero para el cine y más adelante destinados a la televisión. Uno de los personajes más conocidos de Walter Lantz es el Pájaro Loco. En 1924 produjo la serie de Dinky Doodles. Más tarde con la Universal, convirtió en héroe al conejo Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sido creado por Disney pero perdió los derechos sobre su comercialización.
En 1925, Willis O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla, con la técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas importantes, la más famosa de ellas el gorila a animado de King Kong que, aunque aparentaba en la gran pantalla una altura de quince metros, era en realidad un muñeco articulado de alrededor de 45 centímetros de envergadura. King Kong, 1933, fue dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack.
El neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935), una técnica retomó Norman McLaren, otro influyente autor de cortometrajes experimentales. Por su parte, el ruso Alexander Ptushko empleó personas y marionetas flexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936).
Ub Iwerks, separado de Disney, abrió su propio estudio en 1930, adaptó el cuento The Brave Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor Cartoons. Más tarde pasó a la Warner (hasta 1940). Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933), Don Quixote (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp(1934), Humpty Dumpty (1935), The Three Bears (1935), Ali Baba (1936), The Frog Pond (1938) y otros.
Las Silly Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes, fueron imitadas en varias ocasiones. En 1930 nacieron los Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in the Bathtub. Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de Disney y, dirigidos por Leon Schlesinger crearon los Looney Tunes. En 1934, se hizo la primera Merry Melody en colores de la Warner, pues los Looney Tunes fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta, los ejecutivos de la Warner decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitaban espacio de almacenaje. I Haven´t Got a Hat, primer éxito de Porky Pig, dentro de las Looney Tunes, firmado por Fritz Freleng. En 1931, se crearon las Merrie Melodies, cuyo primer film fue Lady Play Your Mandolin.
En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto eminentemente político, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no puede ser destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo. Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.
Oskar Fischinger, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU, realizó en 1930 dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), con una técnica que denominó animación absoluta, donde combina la geometría con la música. Hizo películas en colores Muratti Marches on y Composition in Blue, en 1936. Colaboró en la realización de Fantasía, de Disney, cuyo segmento no fue incluido en el montaje final y, a finales de los años cuarenta, realizó las famosas Motion Painting I y II, imágenes geométricas para animar música clásica.
En Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a Claire Parker, en 1932,Une nuit sur le Mont Chavre, inspirado en música de Mussorgski. Se animaban una serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro. Los alfileres, sobre tela, con la luz alumbrando en unos perfectos 45 grados, las sombras de los alfileres creaban sombra o luz, negro o blanco. Si los alfileres se sacaban, generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si los alfileres se metían, la pantalla quedaba blanca.
En Rusia, en 1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética. El mercado lo valorizó de tal manera que se le empezó a conocer como «el Disney de Rusia». La mayoría de sus temas se basan en cuentos tradicionales rusos, tomando referencias de la poesía local, los bordados, las tallas y la arquitectura. Los trabajos más conocidos en Occidente de los primeros años son El zar Durandai (1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Los tres mosqueteros (1938). Iván Ivanov-Vanó siguió como director de prestigio hasta los años 50 del siglo XX. Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo Gulliver, que combina figuras reales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En 1939, realizó el filme de marionetas La llave dorada.
En 1935, Len Lye, neozelandés, admirador de Oskar Fischinger, realizó Color Box, una de las primeras obras maestras de la animación, Pintaba directamente sobre el celuloide, sin necesidad de cámara, sincronizados con una canción popular de Don Baretto. Una mesa de expertos de animación en el festival de Annecy de 2005 lo consideró como una de las diez obras más importantes de la historia de la animación. Su técnica la heredaría Norman McLaren. Más tarde realizó con el mismo sistemaKaleidoscopio (1936), Rainbow Dance (1937) y Trade Tatoo (1938). En Free Radicals Lye (1958), utilizó película negra sobre la que rascaría dibujos sobre la emulsión.
En 1936, Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky. Más tarde hizo también el personaje de Duffy Duck y las Gold Diggers, 1937. Robert Clampett continuó con el personaje de Porky, y creó al canario Tweety, Piolín en español. Chuck Jones debutó con The Night Watchman, 1938, muy influido por Disney. Poco después creó el personaje de Sniffles, un ratoncito parlanchín. En 1940 definió el personaje de Bugs Bunny, junto a Chuck Jones, Bob Clampett, Fritz Freleng y Frank Tashlin. En contraposición a los estilos Disney, Tex Avery realizó Red Hot Riding Hood, que comienza como una versión común de Caperucita roja hasta que los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar, como unarevisión del cuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes de la película y el final, fueran censuradas. Realizó más tarde King Size Canary (1947) y Bad Luck Blackie (1949).
En España se produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturista Ricardo García López, conocido como K-Hito, entre los cuales destaca Francisca, la mujer fatal de 1933, y los de Joaquín Xauradó, dibujante que hizo famoso su perrito y que realizó dos interesantes películas: Un drama en la costa y El Rata primero, que hizo en colaboración con K-Hito.
En 1943, los hermanos Whitney, John y James, llamaron a su cine, cine puro, vinculado a las vanguardias cinematográficas y más cercano a la fotografía y al movimiento que la llamado cine de animación. Realizaron el film Five Abstract Film Exercises. En 1941 habían realizado Variations, a partir de los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los Whitney consiguieron los primeros gráficos analógicos por ordenador.
George Pal, húngaro, fue el precursor de las películas realizadas por Steven Spielberg y George Lucas. En 1940 inició la serie de los Puppetoons, contratado por la Paramount, que revolucionó la animación tridimensional por el empleo de la técnica del recambio de piezas (ver arriba).
En 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados de la Disney constituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a realizar cosas diferentes. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr Magoo, creado por Peter Burns, fue una de las estrellas de la UPA.
Animación Flash
Para los que recién se inician en Flash, acá les traigo una especie de "tutorial" con los pasos básicos para crear una animación estándar:
1.
Antes que nada, debemos crear un documento nuevo de Flash.
Luego dibujamos nuestro personaje, usando la herramienta Pincel:
2.
Para comenzar a darle movimiento, nos situamos sobre el Fotograma 2 y repetimos nuestro personaje (copiar / pegar), modificándole algo para que se note el cambio (en este caso, yo le moví la pierna porque quiero que mi personaje camine):
3.
Para dar la sensación de que el personaje camina, vamos a crear un piso que se vaya moviendo.
Es por eso que se realiza un piso bastante largo y que salga fuera de la pantalla (el cual iremos moviendo cuadro a cuadro).
(Para no mezaclar lo que hacemos, creamos una nueva capa para el piso, debajo de la que ya estaba creada por defecto, en la que está nuestro personaje):
4.
Existe una manera más facil de mover el piso (de manera automática) para ahorrarnos bastante tiempo:
Una vez que creamos el piso (en el fotograma 1, por ejemplo) hacemos clic derecho en el fotograma (para seleccionar todo el piso) y le damos en Crear interpolación de movimiento.
Luego vamos más adelante e insertamos un nuevo fotograma (con F6), puede ser en el fotograma 40, por ejemplo; nos situamos sobre él y movemos el piso todo para la izquierda.
De esta manera, se creó una "animación automática" en la que se mueve el suelo durante 40 cuadros (o fotogramas).
Luego, podemos copiar y pegar estos 40 fotogramas cuantas veces querramos, dependiendo de cuánto dure la animación:
En Flash CS4, la interpolación de movimiento se visualiza en la linea de tiempo con fotogramas de color celeste, cosa que en versiones anteriores de Flash se ve en violeta.
Pixelacion
PIXELACIÓN
Es una variante del stop-motion, en la que los objetos animados son personas y auténticos objetos comunes (no modelos ni maquetas). Al igual que en cualquier otra forma de animación, estos objetos son fotografiados repetidas veces, y desplazados ligeramente entre cada fotografía. norman mclaren fue pionero de esta técnica, empleada en su famoso corto animado Neighbours. Es ampliamente utilizada en los video-clips.
DEFINICION
es la tecnica de animacion en la que la persona se comvierte en los objetos que se animan a travez de la pixilacion se pueden lograr efectos asombrosos y divertidos se puede comvertir que las personas se deslicen por el suelo sin moverse que su cabello cresca rapidamente o que vuelen por los aires
Puppertoons
A pesar de que la obra en su momento trajo muchas alegrías a estos dos creadores, con críticas positivas y reconocimiento mediático, lo cierto es que sus nombres se han ido borrando cada vez más dentro de la historia de la animación. Sin embargo, directores actuales como Henry Selick (“Pesadilla antes de Navidad“) o Nick Par (“Chiken Run“) conservan este legado en algunas de sus producciones.
La técnica empleada en este tipo de animación es el “recambio de piezas”, propia del stop-motion. Consiste en crear tantas piezas como movimientos y expresiones vaya a necesitar el personaje. Por ejemplo, si un personaje habla o muestra expresiones en su cara, deben realizarse diferentes diseños para esos cambios que sufrirá el personaje fotograma tras fotograma. Las piezas se elaboran previamente siguiendo la animación esbozada en papel, y luego en vez de mover los miembros de los muñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esa forma un sencillo movimiento podría requerir un gran cantidad de piezas, en torno a las 20.
Existe poca información, imágenes y vídeos sobre esta serie (cosa que no entiendo porque es fantástica) pero aquí os dejo “Tulips Shall Grow“, pieza nominada al Oscar en 1942 por su calidad técnica, importancia narrativa e interés moral. La historia recrea un ejército elaborado mediante tornillos y tuercas que parodia los soldados nazis; y la forma en la que este ejercito aplasta el campo de tulipanes (haciendo una clara referencia a la caída de Holanda).
Como hacer películas en 3D sgun pixar´s
Recuerdo cuando en el video club alquile Toy Story allá en los noventas(años en que las películas venían en VHS) la fascinación me invadió desde las primeras escenas de la película, marcando un antes y un después en la concepción del significado de una película animada. Hace poco tiempo, después de ver un documental sobre Pixar me encontré en la web de la empresa leyendo su proceso técnico y creativo para realizar sus producciones, proceso que puede ser muy útil para la gente interesada en el tema y que dejo a continuación
1. Una idea o historia es lanzada
Un empleado de Pixar prepara una idea y la presenta al equipo de desarrollo y animación, donde su mayor reto es lograr que el equipo se interese y vea las posibilidades de llevar adelante el proyecto.
2. La idea escrita
La idea principal es escrita en detalle en un documento. A veces muchos documentos de la misma idea serán desarrollados a la vez para encontrar el balance correcto entre ideas solidas y posibilidades que se completaran luego con la intervención de los artistas y desarrolladores.
3. Se dibuja el Story Board
El Story Board es como una versión comic de mano en el cual empieza a tomar forma gráfica el proyecto y sirve para dar forma las acciónes y el dialogos entre personajes. Cada artista recibe el storyboard, con estos lineamientos los artistas, crean las secuencias y luego envían el trabajo al director.
4. Las voces empiezan a ser grabadas
Primero los artistas de Pixar graban las voces para el reel del story board, luego cuando la historia y el dialogo se define, se procede a empezar la grabación con actores profesionales en donde también tienen permitido improvisar. Los actores deben grabar las lineas de diferentes formas en busca de la mejors captura de voz . A veces las grabaciones de los dibujantes son buenas y quedan elegidas como en el caso del Story Supervisor Jhon Ranft`s, que hizo la voz de Wheezy.
5. Creando los Reels
La editorial empieza a diseñar los reels que contaran la historia por si sola, estos son usados para validar y corregir las escenas y para definir la duración de cada una y por lo tanto la de la película.
6. El departamento de Arte diseña el “Look and Feel”
Basados en el documento inicial, el storyboard y sus propias ideas, el equipo de arte comienza la ilustración los personajes y el mundo donde estos habitaran, donde se diseñan también los accesorios, la apariencia de todas las superficies y experimenta con colores “Color Scripts” para iluminar.
7. Los modelos son esculpidos y articulados
Usando los modelos del departamento de arte, los personajes, lugares y accesorios son esculpidos a mano y luego escaneado a tres dimensiones o directamente diseñados en 3D desde la computadora. Se generan también bisagras las cuales los animadores usaran luego para lograr los movimientos de los personajes.
8. Se rellenan los “Sets”
Luego de que los lugares (Sets) son creados en 3D, deben ser rellenados con accesorios, como sillas, juguetes y mas para crear un mundo realista. Este trabajo es realizado bajo supervisación del director para poder plasmar la idea desde su visión
9. Selección de las tomas
Llevando la historia a las tres dimensiones, se usa una cámara virtual para capturar las tomas en busca de las emociones y los momentos claves de la película. Muchas versiones son capturadas de las cuales luego el equipo editorial hará la selección. Una vez que son seleccionadas estas se envían al equipo de animación
10. Las capturas seleccionadas son animadas
los animadores actúan como titireteros aquí, dedicandoce solo a darle vida al personaje porque el diseño ya fue hecho en los pasos anteriores. usando el software de animación de Pixar, los animadores realizan los movimientos y expresiones faciales de cada escena.
11. Shaders para los lugares y los personajes
Se realiza el proceso de sombreado e iluminación mediante programas de animación que permiten operaciones complejas, logrando que las superficies y colores reaccionen de manera real frente a un efecto de iluminación.
12. Las luces completan el look
Se definen las luces que se usaran en cada escena y lugar para lograr la ambientación adecuada a lo que se quiere transmitir emocionalmente en la escena. la inspiración sobre esta implementación viene desde el departamento de arte.
13. Los datos son renderizados
El renderizado es el proceso mediante el cual toda la información que contiene una toma es traducida a un fotograma de película. Cada fotograma representa 1/24 segundos de pantalla y toma 6 horas de renderizado aproximadamente
14. Retoques finales
La editorial controla la compaginacion de la música y los efectos de sonido, los efectos de animación reciben nuevos efectos y el departamento de foto-ciencia graban los fotogramas digitales para llevar la película a los medios de reproducción
La Animación 3D
Diseño y Animación 3D. Proceso de diseño y animación de imágenes realizado en computadora a través de programas especiales que generan una proyección visual en dos dimensiones.
Métodos y principios de la animación 3D
La animación en 3D es un proceso complejo pues trae consigo la realización previa de otros procesos como el diseño y modelado de la imagen a animar. Existen numerosos mecanismos a utilizar para llegar de una forma u otra a comprender los principios de la animación en 3D, para ello debe de existir un bocetado de lo que se quiere hacer, partiendo de ello, se puede realizar una animación adecuada con la herramienta que se utilizará.
Los objetos se pueden animar en cuanto a:
- Transformaciones básicas en los tres ejes (XYZ), Rotación, Escala o Traslación.
- Forma (shape): Mediante esqueletos: a los objetos se les puede asignar un esqueleto, una estructura central con la capacidad de afectar la forma y movimientos de ese objeto. Esto ayuda al proceso de animación, en el cual el movimiento del esqueleto automáticamente afectará las porciones correspondientes del modelo.
- Mediante deformadores: ya sean lattices (cajas de deformación) o cualquier deformador que produzca por ejemplo deformación sinusoidal.
- Dinámicas: para simulaciones de ropa, pelo, dinámicas rígidas de objeto.
La animación es muy importante dentro de los gráficos porque en estas animaciones se intenta realizar el mero realismo, por lo que conlleva a arduas horas de trabajo.
Diseño 3D
Para el diseño en este tipo de categoría se utilizan varios procesos en los que estan enmarcadas cada una de las técnicas que se usan en las herramientas para el tratado de diseño gráfico digital y más en 3D.
Modelado
La etapa de modelado consiste en ir dando forma a objetos individuales que luego serán usados en la escena. Existen diversos tipos de geometría para modelador con NURBS y modelado poligonal o Subdivisión de Superficies (Subdivision Surfaces en inglés). Además, aunque menos usado, existe otro tipo llamado "modelado basado en imágenes" o en inglés "image based modeling" (IBM). Consiste en convertir una fotografía a 3D mediante el uso de diversas técnicas, de las cuales, la más conocida es la fotogrametría cuyo principal impulsor es Paul Debevec.
Iluminación
Creación de luces de diversos tipos puntuales, direccionales en área o volumen, con distinto color o propiedades. Esta es la clave de una animación, no solo en esta categoría, para la composición de imágenes es muy imprescindible la iluminación, puesto que es la forma clave de darle vida a las composiciones gráficas.
Renderizado
Se llama rénder al proceso final de generar la imagen 2D o animación a partir de la escena creada. Esto puede ser comparado a tomar una foto o, en el caso de la animación, a filmar una escena de la vida real. Generalmente se buscan imágenes de calidad fotorrealista, y para este fin se han desarrollado muchos métodos especiales.
Las técnicas van desde las más sencillas, como el rénder de alambre (wireframe rendering), pasando por el rénder basado en polígonos, hasta las técnicas más modernas como el Scanline Rendering, el Raytracing, la radiosidad o el Mapeado de fotones El software de rénder puede simular efectos cinematográficos como el lens flare, la profundidad de campo, o el motion blur (desenfoque de movimiento).
Estos artefactos son, en realidad, un producto de las imperfecciones mecánicas de la fotografía física, pero como el ojo humano está acostumbrado a su presencia, la simulación de dichos efectos aportan un elemento de realismo a la escena. Se han desarrollado técnicas con el propósito de simular otros efectos de origen natural, como la interacción de la luz con la atmósfera o el humo. Ejemplos de estas técnicas incluyen los sistemas de partículas que pueden simular lluvia, humo o fuego, el muestreo volumétrico para simular niebla, polvo y otros efectos atmosféricos, y las cáusticas para simular el efecto de la luz al atravesar superficies refractantes.
El proceso de rénder necesita una gran capacidad de cálculo, pues requiere simular gran cantidad de procesos físicos complejos. La capacidad de cálculo se ha incrementado rápidamente a través de los años, permitiendo un grado superior de realismo en los rénders. Estudios de cine que producen animaciones generadas por ordenador hacen uso, en general, de lo que se conoce como render farm (granja de rénder) para acelerar la producción de fotogramas.
Reseña El viaje de Chihiro
Chihiro es una niña de diez años, caprichosa y testaruda que cree que el universo entero debe someterse a sus deseos. Cuando sus padres, Akio y Yugo, le dicen que tienen que cambiar de casa, se enfurece sin ocultar sus sentimientos.
Rumbo a su nuevo hogar, la familia se equivoca de camino y aparece al final de un misterioso callejón sin salida
Una película con todo, pero más que nada: aventura. La pequeña Chihiro tiene que hacer un largo viaje, trabajar y enfrentarse a distintos peligros para salvar a sus padres, y al mismo tiempo, en el recorrido ayudar a amigos y recordar a alguien, a quien ya había conocido.
Es divertida, es intrigante, no le sobra ni le falta nada. Yo creí que al ser la protagonista una niña, y no haber mucho romance, sería un punto en contra para mí (como adoro el romance) pero no fue así, estuvo todo en su justa medida. Es una historia verdaderamente linda, que se disfruta mucho.
Hay una gran cantidad de extraños personajes, para todos los gustos. Yo sin duda me quedo con Chihiro, a pesar de lo que dice la sinopsis yo no la encontré caprichosa ni testaruda, sino más bien triste y asustada. Adoré la personalidad de esa niña, principalmente su valentía y decisión para todo. La forma en que reaccionaba ante las situaciones me pareció muy real, bien de una niña de su edad, al igual que como mostraba esas emociones.
Creo que lo más sublime de todo es la historia en si, la trama es fantástica, muy original, para nada predecible, con un montón de giros que sin duda nos logra atrapar muy rápido. La imaginación del creador es espectacular, escenas, situaciones o personajes que nos dejan con la boca abierta logran que la película sea una de las mejor de animación que haya visto.
Es una película muy llevadera, a pesar de ser algo larga, no llega a cansar en ningun momento. En esto tiene que ver todo lo que dije anteriormente, te mantiene pendiente de lo que ocurrirá. Y en lo personal, me adentró en la trama muy fácil, sentías como si formaras parte de las aventuras que la pequeña Chihiro vivía.
Lo único que no me llegó a encantar fue el estilo del dibujo, algunos personajes eran demasiado... grotescos, y no me gustó demasiado. Sin embargo, forma parte del "encanto" de la película. Por lo que terminé aceptándolo. Por otra parte, los paisajes eran grandiosos, muy realistas y con bastantes detalles.
Del final no hay mucho que decir, acorde con la película y muy bueno. Quedé con uun muy buen sabor de boca al terminarla. Se disfruta muchísimo.
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